Splatoon celebra hoje, 28 de maio de 2025, seu décimo aniversário. A seguir, analisaremos como o jogo transcendeu o universo dos videogames com sua única mistura de inspirações.
Splatoon pode ser facilmente interpretado como uma variação de jogos anteriores. Trata-se de um shooter multiplayer desenvolvido em uma época onde títulos competitivos dominavam o cenário online. No entanto, oferece uma proposta diferenciada, voltada para crianças e famílias, em vez de adolescentes e jovens adultos. Seu estilo cartunesco e a ênfase em objetivos que vão além da simples eliminação de oponentes o destacam de outros jogos do gênero. A originalidade de Splatoon se aprofunda ainda mais ao demonstrar que as ideias mais inovadoras frequentemente emergem de fontes fora do padrão dos videogames, como vida selvagem, música pop e moda de rua, incorporando elementos destes universos.
Contrário ao que se poderia pensar, a Nintendo não iniciou o desenvolvimento de Splatoon com a intenção de criar um shooter multiplayer familiar. O ex-CEO Satoru Iwata revelou em uma entrevista que a equipe de desenvolvimento desejava criar “um novo tipo de jogo, sem se preocupar em se encaixar em gêneros existentes.” Desse conceito inicial surgiram 70 ideias, das quais a equipe selecionou Splatoon. Sua singularidade é, em parte, resultante dessa abordagem ampla. Embora a entrevista tenha fins promocionais e tenha sido realizada por funcionários da Nintendo, que buscavam apresentar a melhor imagem possível, é notável a escassez de terminologia específica de jogos e a predominância de questões de intuição e bom senso durante o processo de design.
Ao observar o produto final de Splatoon, percebe-se que todos os elementos se conectam. Desde como os personagens moluscos se camuflam na tinta até a mecânica de respingos que dialoga com a estética da arte de rua, cada aspecto foi cuidadosamente pensado e ajustado. O primeiro design que capturou a imaginação da equipe contava com personagens cobrindo um campo de batalha com tinta, mas eram blocos de tofu ao invés de lulas. A escolha pelo tofu decorre de sua forma e cores simples, que permitiam que desaparecesse na tinta, transformando o shooter direto em um tenso jogo de gato e rato.
Contudo, a escolha do tofu apresentou desafios, uma vez que a falta de características humanas tornava o conceito pouco atrativo. Inicialmente, a equipe optou por coelhos por razões práticas, como suas paletas de cores contrastantes, que facilitavam a identificação ao serem ‘tingidos’ pela tinta, e suas orelhas que serviam como marca visual de direção. No entanto, essa escolha não fazia sentido. O co-diretor Yusuke Amano comentou: “Quando as pessoas perguntavam ‘Por que coelhos?’ e ‘Por que os coelhos estão atirando tinta?’, não conseguíamos fornecer uma explicação razoável.” Após discutir diversas características que os personagens deveriam ter, incluindo “uma justificativa para jorrar tinta”, a equipe decidiu por lulas.
Com a nova escolha, os personagens tornaram-se mais lógicos, e essa alteração gerou novas ideias para a jogabilidade. A habilidade das lulas de nadar na tinta permitiu a movimentação pelas paredes para flanquear os inimigos. Essa abordagem intuitiva se estende a todo o jogo. Embora Splatoon apresente complexidade, suas armas assemelham-se a pistolas de água, latas de spray, baldes, pincéis e rolos, dispositivos com os quais a maioria dos jogadores se familiarizou. A mecânica direta de uso desses objetos os torna atraentes. Mesmo shooters mais intuitivos, como Halo, exigem um conhecimento prévio sobre armas de fogo, enquanto Splatoon elimina essa necessidade.
A aplicação de tinta nas superfícies evoca grafite e, por conseguinte, a moda de rua. A equipe reconheceu essa conexão antes de definir os personagens como lulas. Parte do encanto de cada um dos três jogos da série reside na forma como eles se inspiram em subculturas específicas, muitas vezes locais. A moda que influenciou Splatoon oscila entre os looks monocromáticos do estilista Youji Yamamoto e a estética icônica do artista Sk8thing. A história do bairro Ura-Harajuku em Tóquio e sua cultura de streetwear revela estilos e locais que poderiam facilmente ser encontrados em Inkopolis. Os ídolos squid do jogo se inspiram em estrelas pop digitais como Hatsune Miku, ao mesmo tempo em que refletem elementos do Hip Hop americano. Essas influências concedem ao jogo um estilo que transcende fronteiras culturais e que para muitos jogadores significou uma porta de entrada para outras experiências marcantes.
De maneira curiosa, Splatoon antecipou algumas características de Fortnite, com seu foco em estética escolhida pelos jogadores, eventos comunitários sazonais e uma atmosfera lúdica e amigável. Contudo, as diferenças entre eles são evidentes. Fortnite procura atender a todos, configurando-se como uma plataforma para festivais de música, trailers de filmes e jogos totalmente novos, abrangendo uma variedade que vai de Star Wars a Ariana Grande. Em contrapartida, cada jogo da série Splatoon possui Splatfests finais em que não há mais eventos. Enquanto as aspirações de Fortnite se espalharam por diversos jogos multiplayer, Splatoon manteve sua identidade singular, mesmo diante de poucos crossovers com outras franquias da Nintendo.
Entretanto, Splatoon não é isento de estratégias comerciais. Durante os Splatfests, equipes de jogadores escolhem lados em disputas temáticas como “Piratas vs. Ninjas” ou “Aves Matutinas vs. Corujas Noturnas.” O objetivo era gerar atenção nas redes sociais, utilizando termos comuns e debatendo questões culturais. Contudo, isso também ancorou Splatoon em subculturas externas. Os Splatfests criam uma rotina que cada novo evento tanto reafirma quanto perturba. Tratam-se de tentativas explícitas de aumentar o número de jogadores e gerar publicidade gratuita, mas, quando bem executados, os Splatfests proporcionam uma verdadeira sensação de festa comunitária.
Isso nos leva à abordagem de Splatoon em relação às redes sociais. Ao explorar Inkopolis, jogadores podem encontrar desenhos e rabiscos de outros usuários, uma funcionalidade ainda presente em Splatoon 2 e 3. Embora o sistema remeta às interfaces do Instagram e Twitter, não há algoritmo que personalize o que você visualiza; a praça central apenas exibe o que as pessoas estão dizendo no momento. O resultado é algo imediato e efervescente, mas que não retém a atenção a longo prazo.
Todos esses elementos se unem para criar o que pode ser considerado o aspecto mais profundo de Splatoon: a sensação de um tempo e espaço específicos. A estética de Splatoon não se resume a imitações vazias, mas é uma homenagem solidamente fundamentada. Suas redes sociais e eventos proporcionam uma sensação de um mundo que transcende as fronteiras do jogo. Splatoon se assemelha a um lugar real, embora você só possa visitá-lo. Isso se deve ao fato de que apenas aquela equipe, naquele período e naquele contexto, poderia tê-lo criado. Em 2015, estava prestes a surgir um ecossistema de games completamente diferente, com Fortnite Battle Royale surgindo dois anos depois. A ênfase de Splatoon na personalização de avatares e em eventos sazonais a colocava em diálogo imediato com o que estava por vir, mas era incrivelmente distinta. Os eventos sazonais de Splatoon possuem um prazo definido e sua promoção não busca influenciar incessantemente (exceto por raras colaborações com a Nintendo). O jogo não buscava atingir todos os jogadores, mas sim a um público dedicado naquele momento.
Compatível com tudo isso, Splatoon não era uma fonte inesgotável de entretenimento. Seus servidores foram encerrados há muito tempo e não é mais possível jogar a versão que tanto cativou os jogadores em 2015. Essa “morte” estranha ecoa a narrativa de Splatoon que se passa em um mundo pós-apocalíptico onde os humanos já não existem. Os habitantes squid utilizam roupas semelhantes às que os humanos vestiam, jogam games como os melhores da sua época e produzem música do mesmo estilo. Existem diferenças, mas também semelhanças. Talvez aquele mundo squid um dia encontre seu fim, assim como ocorreu com o mundo humano, mas não foi bonita a viagem enquanto durou?
